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从艺语录
●老先生常说：不要太广，专功一门。但我常想：先广后精，厚积薄发。
●似与不似以意会。
●忘形而不能忘情。
●无心求之尽得天然。
●为艺术者，一则灵慧，一则进境。灵慧多由天赋，进境尚需苦修。
●感人心者，莫先乎情。（杜甫）
●艺术家一旦把握住一个自然对象，这个自然对象就不再属于自然。（歌德）
●笔墨
不只是一种技巧更是一种精神。
●似花而似非花，这就是艺术。懂得了这点你就进入了画家的门坎。（陈传席）
●求与古人合能与古人离。
●用古人的语言说出时代的话语。
●做人的准则是本分，从艺的准则是不本分。
●风格即人。
●息心静气乃得深厚。
●吸收传统犹如站在巨人肩上采撷果实。
●否定过去的自己需要勇气，重树今天的形象智慧。
●艺术不是现实的翻版更不是翻版现实的模具。
●有形而乏神必属痴呆。
●花亦人，人亦花，花替我代言，我替花传情。
●入法度至严，定能出法度至纵。
●从心所欲不逾矩。（孔子）
●不是看你画多大的主题，而是看你怎样画，怎样传达出你自己和对生活的理解与感受。
●名词析录——
大师：作品能包前孕后，能树立一代楷模，同时能开启一代新风者，方可称其为大师。
画家：风格成熟并且有一定的文化修养者可谓之画家。
画匠：在无关紧要的地方精雕细刻，昏昏然进入了对自然的描摹中，画的既光又腻，而忘记了作品完整的个性和统一的思维者。
●学习绘画一定要走传统和个性相结合的路子。不能走画奴、泥古之穷途，更不能陷入从众于当今名家之涸辙。因为二者都不是有思想、有出息、有底气的画家。
●在听《唱脸谱》时，我想到了国画讲求的是一种精神，未必强求于笔墨纸砚等形式，正如京剧是国粹配以西洋视听效果则更佳一样。
●用笔用墨的最高标准是沉着与痛快。
●求与古人合能与古人离。
●中国画是在一种程式化的过程中完成其独特的艺术样式。
●冯今松笔下的红辣椒很抢眼，因为它既源于真实，却又在现实中找不到，完全是前所未有的韵味。这个美学成果，得自他笔下美妙的变形，而高妙的变形只有浓厚的功力才能产生。
●齐白石在刻画各种草虫方面，虽为工笔，实则实意成分不少，脱尽古今多数工笔画家难免的匠气。
●以书写性是中国画和特点。
●做事临书有在要：一是要暗合古人心迹；二是要抒自身情怀。
●做画临书制印若无传统之根，当为异相，非丑即怪。
●佳作动人心眼，必三要素：一曰技法精熟；二曰气格超迈；三曰境界高深。三者少一不可。
●临摹须用功多于用心，创作须用心多于用功。
●艺术素质就是一个人的知识、品质和修养。
●中国画写心写意，
这意这心的表达则需要一种语言，而这种语言要从传统中求取，方才被世人认同。
●用墨在于得趣得韵，浓淡干湿，能产生无尽的韵趣效果。这种效果是矛盾的对立和统一。一团湿渍几滴焦墨，一组干线边几滴淡彩，便会产生湿润春雨、干裂秋风的感觉。
●中国水墨中，“点”音如鼓，“线”律如弦，“墨”韵则如乐曲的和谐之音。点、线、面构成的节奏关系，犹如一支乐队共同协奏的乐曲。
●反传统不等于反基本功。
●多少人在玩艺术，又有多少人在窄窄的独木桥上挤死；有一个人借了船下河，他过去了，他就是艺术家。
●中央美术学院中国画教学三步曲；师传统——师造化——创作。
●艺术的价值在于它的个性和独创性，人云亦云是模仿，相似和雷同则是大忌。
●同样是走进大观园，刘姥姥开心，林妹妹伤心。同样有江水，李后主低吟：问君能有几多愁，恰似一江春水向东流。苏东坡则豪唱：大江东去，浪淘尽千古风流人物。
●勾线一定要连勾带皴，有经验的画家总是先找到一块能发挥湿墨的地方，重笔下去，笔中水墨尽染，趁笔中稍干时色勒，待再干、淡时皴，皴时忌涂、描、抹、刷，要有用笔，皴擦是要与线让开，不能把线擦掉。用笔一定要写。
●什么样的形是好形？什么样的形有张力？气球充盈了的张力不如布袋装满核桃扎紧后的形有张力。说明两点：光有放，没有收，只有充盈，没有内敛的形未必有张力。二是形的外延均匀的弧形，不如凹凸不平的弧形的张力。
●张力与灵动是一对矛盾，众人皆知张力之重要，然一味张力，则呆板，笨拙、不秀美。一味灵动，则轻浮、纤弱，故应互用之。
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“天人合一”、“物我交融”、“外师造化”、“中得心源”，皆为一意，外在物象与心中物象相结合，这是中国画的核心。
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“密不透风，疏可跑马”，不仅是指疏密聚散，还应包括长短节奏，厚与薄，大与小，简与繁，层次的多与少等等，诸如此类的辨证统一规律。
●中国画讲“骨法之道”，“骨法之道”在于用笔，用笔之关键在于写。用笔墨写出的画就叫中国画。
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中国画有雅俗之分，文人作画，一般称之为写而不叫画。“写”有书卷气，而画则是匠气。“写”是一种状态，一种潇洒自如的状态，一种随机应发的状态，一种顺流而下的状态。而“画”则显得相当被动，是一种功夫，是一种制作，是一种工艺手法，带着刻意之嫌。写为雅，画为俗。
●中国画构图中的“势”很重要，势中不怕顺，不顺则乱，势中不怕密，不密则与势外拉不开。势的形要整，要方，要系统。
●气韵是一个流动的、连贯的、整体的系统。在这个系统内，不可有过多反差大、对比强、刻画精的物体，这种东西一多，就不流动，不连贯，不整体。
●历代大家在绘画风格上都是尽早形成自己的符号，因而颇具艺术个性。没有自己的符号，是大河中一股无为的水；有了自己的符号，是一条有特色的小溪。没有自己的符号，是缺乏味道的大锅菜，有了自己的符号，是一道有名气的特色餐。
●不要因为没有腿力跳出井圈，说那圆圈内是整个的天。
●花鸟画的最高境界是写意。写意的语言是一种符号，而这种符号则是从传统中来又能带有时代特色，且为人们所认可的。
●山水画看气势；人物画看神韵；
花鸟画情趣。
●变求发展，发展求图存。
●细处见功力，粗处不浮嚣。
●舞台上演员排列时，若是场演员多，则在设计他们的动作时在强调统一、整齐；若舞台上的演员少，则他们的动作须要复杂、有变化，这样才不致于有冷场的样子。当然对于这些动作的设计，是要与剧情的发展相配合。一通百通，画画也当如此。
●缺少呼应则画面平弱。
●吃了牛奶、羊肉，使自己更加强健，这叫消化吸收；若吃了牛奶、羊肉，自己变成了牛、羊，岂不怪哉！吸收西洋或是传统的东西，道理当在此。
●以笔取气，以墨取韵，有笔有墨方能谈气韵。
●变其形，求其神，无形何处安神，无神难全其形。
●石涛、八大若非失路王孙恐亦不过膏梁文绣、金鞍游荡而已；纵使能画上几笔也决非今天我们所见到的这个样子。
吴昌硕的画渗透的金石气多，齐白石的画则生活气较浓。吴是以金石家的眼光去捕捉客观印象，齐则以直观去感受生活。故吴得朴茂，齐得鲜活。
●书画艺术，始终有个形式问题，我们研究笔墨，也是为了获得形式的基本构件，谁能找到最理想的形式，谁就是成功者。
●作品有了张力方显其大气。
●论用笔——
中锋用笔，不论画到何时，应时时保持笔尖与纸面接触；
中锋用笔写出的线条浑圆、稳健且富有弹性；
线条忌轻飘上浮疲弱无力；
用笔快则滑迟则滞；
能一笔解决就不能用第二笔；
线条用笔要稳健沉着，洗练概括，富有弹性和韧性方显结实；
线条画的不宜太光太直，线条匀称，在匀称中求变化；变化要含蓄，避免无节奏地忽粗忽细；
运笔不家过快、过巧，能拙中见巧者为好；行笔过快轻浮无味有单薄之嫌；
笔的运行过程就是对形象感受的自然流露的过程；
每一笔都要有内容、有讲究、有追求、有趣味。
●论用墨——
泼墨的方法，任其淋漓扩散，惟在体现形象的地方对水分要控制适度，不然混为一团即显无力；泼墨处须注意用笔，尤其是大面积转折处的结构应有所支持，否则就会感到平板单调；
心意要“巧”而用墨要“拙”，拙中见巧耐人寻味；
历代用墨高手当数八大、徐渭，近代则为齐白石；
水分控制则为技巧，水多则为一团疲软无力，反之，则平板单调，韵味全无。
●论线条——
线条“老”“辣”“粗犷”“高雅”“流畅”“凝重”；
人在运动中要换气，笔在运行中也要换“气”，这样勾出来的线才会产生节奏感；其次勾线还应当直中有曲，这就是在勾一线时，从总体来看，是直的，是挺的，但是它的每一个局部，由于行笔的顿挫，气势的转换，则呈现出似断非断，似曲非曲，使线条产生浑厚、凝重、古朴的感觉。
●用笔讲平、留、圆、重、变。
用笔须平，如锥画沙；
用笔须圆，如折钗股；
用笔须留，如屋漏痕；
用笔须重，如高山坠石。润含春雨，干裂秋风，一波三折。
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